Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picasso fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Fecha de nacimiento: 25 de octubre de 1881, Málaga

Fallecimiento: 8 de abril de 1973, Mougins, Francia

Serie: Las Meninas, Músicos con máscaras, Mujeres de Argel, Sueño y mentira de Franco

Cónyuge: Jacqueline Roque (m. 1961–1973), Olga Khokhlova (m. 1918–1955)

Hijos: Paloma Picasso, Claude Picasso, Paulo Ruiz Picasso, Maya Widmaier-Picasso

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Pablo Picasso: un alma primitiva - Documental (1999)

Picasso nació en Málaga 1881, además de ser pintor, incursionó en otras líneas artísticas como cerámica, diseño, escenografía y escultura.

Picasso pintó más de 2.000 cuadros que hoy se exhiben en los museos más importantes del mundo, entre sus obras más destacadas se encuentran ‘Las Señoritas de Avignon’ (1907) y 'El Guernica' (1937).

Este artista es conocido por los periodos que enmarcaron sus obras.

'Periodo azul' (1901 – 1904)

En 1901 cuando Pablo tenía 19 años, su mejor amigo Carlos Casagemas pintor español se quitó la vida tras una decepción amorosa, esto provocó un gran dolor en Pablo llevándolo a un tiempo de melancolía que fue expresado en sus pinturas. El periodo tuvo como nombre ‘Periodo azul’.

Fue así como en el estudio de Montmartre en donde vivió Casagemas, Picasso realizó las primeras 64 pinturas que manifestaban su dolor y expresaban “el sentido trágico de la existencia humana”.

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En ellas podía apreciarse la soledad, pues los personajes que retrataba se veían aislados y a su vez como figuras alargadas; transmitiendo a quienes las observaban emociones como soledad, dolor, melancolía y pobreza.

Los cuadros más representativos de esta época son:

‘El gran autorretrato azul’ (1901), ‘La vida’ (1903), 'El viejo guitarrista’ (1903), ‘Las dos hermanas’ (1902).

Foto: 'El gran retrato azul', Picasso - slobidka

'Periodo rosa' (1904 – 1907)

Durante este periodo prevalecieron en sus pinturas los colores pasteles y los temas de circo.

Para esa época Pablo se mudó a París por temas de trabajo, allí conoció a una mujer de quien se enamoró y al mismo tiempo se involucró en la vida Bohemia.

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En su línea de ‘Periodo rosa’ habla sobre retratos femeninos, rostros con pocas emociones, dibuja objetos de forma geométrica, dando un gran protagonismo a los puntos y líneas y el color más predominante fue el rosado, por eso su nombre.

Las obras más destacadas son:

‘Rosas’ (1905), ‘Familia de Saltimbanquis’ (1905).

Foto: ‘Familia de Saltimbanquis’ - Picasso - El cuadro del día

'Cubismo' (1908)

La realidad debe ser interpretada en formas geométricas (cilindros, esferas, conos), Picasso pensaba que para entender la realidad primero había que descomponerla.

"No tiene ninguna importancia. Yo no sé inglés y para mí un libro en inglés es un libro vacío, pero eso no significa que el inglés no exista, el cubismo no es ni una semilla ni un feto sino un arte que trata sobre todo de las formas y cuando una forma se materializa, esa vive su propia vida".

El cubismo fue considerado como una línea que rompe con el renacentismo del siglo XX, desaparece la perspectiva tradicional. No hay sensación de imágenes con profundidad. Los colores son más apagados.

‘Las señoritas de Aviñon’ (1907) fue la obra que abrió paso a este periodo, seguido por ‘Mujer con abanico en un sillón’ (1907), ‘Frutas y copa’ (1908) y ‘Paisaje de Horta de Ebro: Cisterna’ (1909).

Foto: ‘Las señoritas de Aviñon’ - Picasso - museoreinasofia

Surrealista (1925 – 1935)

El objetivo era crear sin estar limitado por temas racionales, por eso su nombre. “He permanecido siempre en la realidad. No soy surrealista. Nunca me he apartado de la realidad”.

“Me esmero en todo momento para no perder de vista la naturaleza. Lo que yo persigo es la semejanza, una profunda semejanza, más real que la realidad, para alcanzar lo surreal. Así he comprendido al surrealismo, pero ese concepto ha sido utilizado de forma muy distinta”.

Para esta época Picasso estaba en conflicto con su pareja Olga, consideraba que era "aburrida y frustrante" estos sentimientos fueron manifestados en lenguaje de surrealismo con imágenes distorsionadas y fragmentadas.

Sus pinturas reflejaban personajes monstruosos y formasdistorsionadas. Las obras más destacadas son ‘Bañistas al borde del mar’ (1930), ‘El sueño’ (1932), 'Las Tres Bailarinas' (1925) y 'El Guernica' (1937).

Foto: 'El Guernica' - Picasso - museoreinasofia

La Segunda Guerra Mundial, lo llevó a manejar una conversación más política y que su paleta de colores se oscureciera debido a las muertes de esa época.

Así es como surgen obras como ‘Bodegón con calavera de buey’ (1942) o ‘El Osario’ (1945), también retrató a Jacqueline Roque, su última esposa a quien conoció en 1953.

Foto: 'Osario' - Picasso - pinturassurrealistas

Picasso siguió pintando sus emociones en sus obras hasta el 8 de abril de 1973 cuando falleció en Mougins por Insuficiencia cardíaca.

Biografía Pablo Picasso

Pablo Picasso es, sin duda, uno de los artistas más importantes del siglo XX. De su prolífica obra nos queda, entre muchos otros cuadros, el famoso Guernica, que representa el bombardeo a la ciudad del mismo nombre durante la Guerra Civil Española. Pero más allá de uno de los pintores más influyentes del mundo, el autor vivió y amó intensamente a lo largo de toda su vida, que no estuvo exenta de polémica. Aquí os dejamos 25 frases de Picassocon las que entender su particular manera de percibir el mundo y su profesión.

“Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta”.

“El amor es el mayor refrigerio de la vida”.

“La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere”.

“El arte es peligroso, el arte no es casto;no están hechos para el arte los inocentes ignorantes. El arte que es casto no es arte”.

“Lleva tiempo llegar a ser joven”.

“Por desgracia uso las cosas según me lo dicta mi pasión”.

“Pintar es otra manera de llevar un diario”.

“La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando”.

“La calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleve consigo”.

“La enseñanza académica de la belleza en una superchería. El Arte no consiste en la aplicación de un canon de belleza sino en lo que el instinto y el cerebro son capaces de concebir más allá de ese canon”.

“Pintar como los pintores del renacimiento, me llevó unos años, pintar como los niños me llevó toda la vida”.

“El arte es la mentira que nos permite comprender la verdad”.

“La fotografía vino a tiempo para liberar la pintura de toda literatura, de la anécdota, e incluso del tema”.

“Cuando dicen que soy demasiado viejo para hacer una cosa, procuro hacerla enseguida”.

“La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo”.

“Yo hago lo imposible, porque lo posible lo hace cualquiera”.

“Yo no evoluciono, yo soy. En el arte, no hay ni pasado, ni futuro. El arte que no está en el presente no será jamás”.

“Cuando era pequeño mi madre me decía: si te haces soldado, llegarás a general; si te haces cura, llegarás a Papa. Yo quería ser pintor y he llegado a Picasso”.

“Yo no busco; yo encuentro”.

“En cuestiones de pintura un experto sólo puede dar malos consejos a un pintor, por eso he renunciado a intentar juzgarme”.

“Un artista copia, un gran artista roba”.

“¿Qué es el arte? Si lo supiera, tendría buen cuidado de no revelarlo”

“Yo no pinto lo que veo, pinto lo que siento”.

“Los ordenadores son inútiles. Solo pueden darte respuestas”.

“Todo lo que puede ser imaginado es real”.

En el pintor español Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico del siglo XX. Figura clave de la pintura e incluso del arte contemporáneo en general, es evidente la revolución de las formas en su obra, pero más significativas que sus aportaciones morfológicas resultan sus relaciones con la sociedad y la época en que vivió. En el primer aspecto, es el máximo representante del cubismo; en el segundo, una de las cumbres del expresionismo, si bien nunca figuró entre sus grupos y actuaría de forma autónoma. Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el que asombran los múltiples registros con que puso de manifiesto las variadas posibilidades que el lenguaje pictórico tiene para retratar la sociedad o los problemas de una época.

Etapas azul y rosa

Sus primeras etapas corresponden al figurativismo. En la denominada época azuldomina un sentimiento patético, expresado con una monocromía que posiblemente se inspiró en ideas debatidas en la tertulia modernista barcelonesa de Els Quatre Gats. Instalado en París, Picasso se inclinó decididamente por la monocromía azul para destacar la melodía de las líneas en un muestrario de personajes dolientes. El Picasso de veinte años parece conmovido por el sufrimiento y retrata un mundo de mendigos y ciegos de cuerpos escuálidos y cabezas vencidas.

Detalle de La tragedia (1903)

En la siguiente etapa, la época rosa, combina poco a poco los tonos más amables para plasmar el mundo del circo con sus juglares y saltimbanquis. Si se compara La comida frugal de la época azul con los retratos o escenas de circo correspondientes a la época rosa, se percibe, más allá de las diferencias entre la tristeza compasiva y una cierta serenidad aceptada, la profundización en la observación del hombre y los ambientes sociales. Su vida en el Bateau-Lavoir parisino tuvo la misma intensidad que la de los cenáculos modernistas barceloneses, y esas vivencias se llevaron a la tela.

El cubismo

Picasso pasaría en pocos años de las formas expresivas a las formas simbólicas. La revolución se inició con Les demoiselles d'Avignon (1907), manifiesto del arte del siglo XX, cuya gestación exigió a Picasso un trabajo de meses. Varios cuadernos de apuntes y cambios en las figuras y la composición desembocaron en este grupo de mujeres, donde la corporeidad humana y los rostros se intensificaron mediante deformaciones.

Les demoiselles d'Avignon (1907)

La influencia del arte africano y la herencia del arte ibérico llevaron a Picasso a ensayar esta nueva anatomía llena de presagios terribles, como si buceara en niveles todavía no explorados de la realidad humana. Era el manifiesto del cubismo, corriente que ocuparía la actividad del pintor durante una decena de años, aunque sus conquistas geométricas reaparecerían en toda la producción posterior.

Clasicismo, surrealismo, expresionismo

El drama de las figuras cubistas sintonizaba perfectamente con los desastres de la Primera Guerra Mundial. Al finalizar la contienda, sin abandonar el cubismo (como se percibe en Tres músicos del Museo Metropolitano de Nueva York, de 1923), Picasso inicia la etapa denominada clasicista, caracterizada por la representación del movimiento en los decorados para los ballets rusos de Sergei Diaghilev.

Hacia 1925 cambió la temática; algunos autores hablan de una fase surrealista, y, en efecto, en algunas obras parece aproximarse a los ensayos de representación onírica. Pero a su pupila analítica no se le ocultaban los fenómenos amenazadores, entre ellos el ascenso de los fascismos o los desequilibrios sociales, manifiestos en los ambientes y barrios degradados de las urbes donde se concentraba la mayor parte de los habitantes. Y a través de las deformaciones que caracterizarían al expresionismo, el artista empezó a expresar las vivencias de inseguridad y angustia ante el futuro. Es el período de las metamorfosis, basadas primero en curvas y en elipses calmantes, luego en ángulos y trazos enérgicos que traducen un espíritu atormentado.

Detalle de Guernica (1937)

El clímax de tensión expresionista se alcanzará durante la guerra civil española. El Guernica es, más que una escena concreta, un símbolo en el que se renuncia al color y se reduce la gama cromática a una especie de grisalla. Las llamas, el guerrero muerto con la flor en la mano, el caballo herido, son símbolos del dolor de la guerra. Las figuras crispadas expresan el dolor como un alarido. Y un grito, más que una palabra articulada, viene a ser esta obra maestra, sin duda uno de los más impresionantes testimonios de la historia del arte.

Durante la Segunda Guerra Mundial Picasso insistió en temas dramáticos, como Naturaleza muerta con cráneo de buey (1942), donde se unen el dolor de la guerra en la Francia ocupada y el que el artista siente por la muerte de su amigo, el escultor Julio González. Tras la contienda se inicia un período de calma en el arte picassiano: es el momento de las palomas y los balcones abiertos hacia el azul del Mediterráneo, aunque la guerra de Corea ponga un paréntesis a estas visiones idílicas con nuevos testimonios sobre la crueldad y el sufrimiento.

A la altura de las circunstancias

Es clara la dimensión histórica en la obra del gran pintor español; porque su objetivo no se cifró en la búsqueda de la belleza, sino en testificar y aclarar los grandes procesos sociales. Así lo manifestó en una ocasión: "el artista trabaja sobre sí mismo y su tiempo, trabaja para dar claridad ante su conciencia y sus contemporáneos de sí mismo y de su tiempo". La forma armoniosa de otros siglos del arte reflejaba una concepción armónica del hombre; la forma desgarrada de Picasso traduce el sufrimiento del hombre moderno.

En medio de sus símbolos y sus renovaciones incesantes, en efecto, es posible detectar como constante la sensibilidad por la época, reflejada en la alternancia de períodos plácidos y dramáticos. Pero en todo momento Picasso mantuvo viva su obsesión dolorosa por el hombre que sufre: desde los ciegos de la época azul hasta los gritos de los cuadros expresionistas es constante la meditación compasiva del artista sobre el ser humano.